2026年4月30日木曜日

「祝えぬ春 ― Djurdjevdan（ジョルジェヴダン）」グルパ・マエストロ（北マケドニア）

Grupa MAESTROと「Djurdjevdan」

――バルカンの記憶を歌い継ぐ名曲

バルカン半島には、国境を越えて人々に愛され続ける楽曲が数多く存在します。その中でも特別な存在として知られているのが、「Djurdjevdan（ジョルジェヴダン）」です。

北マケドニアの民族音楽グループ、Grupa MAESTROも、この楽曲をレパートリーの一つとして演奏しています。しかし、この曲は単なる民謡ではありません。

そこには、バルカンの歴史、民族文化、そして人々の記憶が深く刻み込まれています。

Grupa MAESTROとは？

北マケドニアの民族音楽継承グループ

Grupa MAESTROは、北マケドニア国内で活動する民族音楽グループです。

彼らの大きな特徴は、伝統音楽を単に保存するだけではなく、現代のライブ・エンターテインメントとして再構築している点にあります。

レパートリーは北マケドニアの民謡にとどまらず、

セルビア
ブルガリア
ボスニア・ヘルツェゴビナ
ギリシャ

など、バルカン半島全域の伝統音楽に及びます。

また、地域の祭礼や結婚式などでも演奏することが多く、人々の日常生活に密接に結びついた活動を続けています。

そのため、Grupa MAESTROのステージでは、「Djurdjevdan」のような旧ユーゴスラビア圏全体で共有される楽曲が頻繁に演奏されています。

「Djurdjevdan」とはどのような曲なのか

誰の歌とも言い切れない名曲

「Djurdjevdan」は現在、

セルビア人
ボスニア人
モンテネグロ人
北マケドニア人
ロマ民族

など、多くの人々によって歌い継がれています。

興味深いのは、この曲を

「特定の民族だけの歌」と断定できない

という点です。

楽曲のルーツは、ロマ文化圏で祝われる春祭り

「Ederlezi（エデルレジ）」

にあると考えられています。

その後、

ロマ文化
第二次世界大戦の記憶
旧ユーゴスラビア時代の共有文化

が重なり合い、現在知られている形へと発展しました。

そのため「Djurdjevdan」は、

「一つの民族の歌」ではなく、「バルカン全体の記憶を歌う作品」

として受け止められることが多いのです。

歌詞が描く世界

春の祝祭の中にある深い悲しみ

「Djurdjevdan」は、聖ゲオルギオスの日（5月6日）の祝祭を背景にしています。

歌詞の流れを要約すると、

春が訪れる
世界は祝祭の喜びに満ちている
しかし、語り手だけは喜ぶことができない
愛する人も、自由も失われている
季節だけが無情に過ぎていく

という構造になっています。

再生する自然と、再生できない人間

この作品で特に印象的なのは、

自然界は春とともに再生するのに、人間だけが再生できない

という対比です。

そのため、この曲は単なる失恋の歌としてだけではなく、

喪失
追放
戦争
故郷の喪失

といった、より普遍的な悲しみを象徴する作品としても解釈されています。

だからこそ、多くの人々が自らの経験を重ね合わせ、世代を超えて歌い継いできたのでしょう。

Bijelo Dugme版と世界的な広がり

バルカン全域に広めた1988年の名演

「Djurdjevdan」がバルカン全域で広く知られるようになったきっかけは、1988年に発表されたBijelo Dugme版でした。

中心人物となったのは、作曲家・音楽家の Goran Bregović です。

Bregovićは後に映画監督 Emir Kusturica との共同制作でも知られるようになり、

ブラスバンド
ロマ音楽
民族旋律
宗教音楽

を融合させた独自のサウンドを世界へ紹介しました。

今日、「Djurdjevdan」が国際的にも知られるようになった背景には、彼の功績が大きく影響していると考えられています。

なぜ北マケドニアでも愛されているのか

「Djurdjevdan」はセルビア語で歌われる楽曲ですが、北マケドニアでも非常に高い人気を誇ります。

その理由は、かつて存在した Yugoslavia にあります。

旧ユーゴスラビア時代には、

セルビア
クロアチア
ボスニア・ヘルツェゴビナ
北マケドニア
モンテネグロ

が同じ国家を形成しており、音楽市場も事実上共有されていました。

その結果、「Djurdjevdan」は国境を越えた共通文化財として定着したのです。

現在、Grupa MAESTROがこの曲を演奏する際も、

「セルビアの歌」というより、「バルカン全体の共有遺産」

として扱われていると考えるのが実情に近いでしょう。

まとめ

Grupa MAESTROとは

✅ 北マケドニアを代表する民族音楽継承グループ

✅ 伝統音楽を現代的なライブ音楽として再構築

✅ バルカン全域のレパートリーを演奏

「Djurdjevdan」の魅力

✅ 聖ゲオルギオスの日を題材としたバルカンの名曲

✅ ロマ文化の春祭り「Ederlezi」をルーツに持つ

✅ 戦争、喪失、故郷への想いなど、地域の歴史的記憶と深く結びついている

✅ 「再生する自然」と「再生できない人間」の対比を描く普遍的な悲歌

「Djurdjevdan」は、単なる民謡を超えた存在です。

それは、バルカンの人々が共有する歴史と感情を映し出す、地域全体の集合的記憶の歌と言えるでしょう。

その象徴的な存在感から、しばしば

「バルカンの第二の国歌」

と呼ばれることもある、バルカン音楽を代表する名曲の一つです。

2026年4月27日月曜日

「春を呼ぶざわめき～SHUM」ゴー・エー（ウクライナ）

「SHUM」― 古代の春祭りを現代に蘇らせた、Go_Aの革新的フォーク作品

2021年のEurovision Song Contestで大きな話題を呼んだウクライナ代表曲「SHUM（シュム）」。

この作品は、一般的なラブソングやメッセージソングとは一線を画しています。

「SHUM」は、ウクライナに古くから伝わる春迎えの儀礼を現代のエレクトロニック・サウンドと融合させた、極めて独創的な作品です。

伝統と革新が見事に結びついたこの楽曲は、Eurovision史においても特別な存在として記憶されています。

歌詞が描く世界

春の訪れを呼び覚ます儀礼歌

「SHUM」の歌詞には、明確な物語や主人公は存在しません。

代わりに描かれているのは、

春の到来を呼び起こす儀礼
冬から春への移り変わり
自然と人間共同体の結びつき
再生と目覚め

といったテーマです。

タイトルの

「SHUM（シュム）」

は、ウクライナ語で「ざわめき」「音」「森の気配」などを意味します。

楽曲の中では、この「SHUM」が自然の精霊、あるいは春そのものを象徴する存在として扱われています。

呪文のように繰り返される歌

歌詞では、

春へ語りかける
種をまく
草木が育ち、絡み合う
音やざわめきによって自然を目覚めさせる

といったイメージが繰り返し登場します。

その構造は、物語を語る歌というよりも、

共同体が一体となって唱える「詠唱」や「呪文」

に近いものです。

この楽曲は、「意味を理解する」こと以上に、

歌い、踊り、儀礼に参加することそのもの

を重視している作品と言えるでしょう。

「SHUM」の文化的背景

ウクライナの春迎えの儀礼

「SHUM」は、ウクライナ北部に伝わる伝統的な春迎えの儀礼

「Shum Ritual（シュムの儀礼）」

をもとに制作されました。

この儀礼では、人々が集団で歌い、踊り、音を立てることで、冬の眠りから自然を目覚めさせると考えられていました。

言葉やフレーズの反復も、単なる音楽的演出ではありません。

古くから、繰り返される「音」そのものに宗教的・呪術的な力が宿ると考えられていたためです。

そのため、「SHUM」は現代のポップソングでありながら、同時に古代から受け継がれてきた儀礼の記憶を呼び起こす作品でもあります。

音楽的特徴

伝統民謡とテクノの融合

「SHUM」のジャンルは、

フォルトロニカ（Folktronica）

あるいは

エレクトロ・フォーク

に分類されます。

楽曲では、

ウクライナ民謡特有の旋律
伝統的な歌唱法
民族楽器による音色

を保ちながら、

テクノビート
トランス音楽的な反復
電子的サウンド

を大胆に取り入れています。

この融合によって、「SHUM」は古代と現代を同時に感じさせる独特の世界観を生み出しています。

Eurovision 2021での評価

「SHUM」は、オランダ・ロッテルダムで開催されたEurovision Song Contest 2021でウクライナ代表として出場しました。

大会では、

決勝：5位
視聴者投票：2位

という好成績を収めました。

さらに大会終了後も、

Spotify Viral 50（世界）
Billboard Global 200

などにチャートイン。

ウクライナ語による楽曲として、国際的な成功を収めた代表的な作品のひとつとなりました。

全編ウクライナ語で歌われ、民族的要素を全面に押し出した作品がこれほど広く受け入れられたことは、Eurovision史においても極めて画期的な出来事でした。

Go_Aとは？

バンドプロフィール

バンド名：Go_A
結成：2012年
出身地：ウクライナ・キーウ
ジャンル：フォルトロニカ／エレクトロ・フォーク

バンド名の意味

「Go_A」という名称は、

英語の Go
ギリシャ文字 Alpha（始まり・起源）

を組み合わせたものです。

そこには、

「起源へ戻る」「ルーツへ回帰する」

という意味が込められています。

主なメンバー（Eurovision 2021時点）

Kateryna Pavlenko：ボーカル
Taras Shevchenko：キーボード、サンプラー、創設者
Ihor Didenchuk：笛、民族管楽器
Ivan Hryhoriak：ギター

特にボーカルのKateryna Pavlenkoは、ウクライナ民謡特有の歌唱法を現代的なパフォーマンスへと昇華させたことで高く評価されています。

Go_Aの音楽理念

Go_Aの楽曲は、そのほとんどがウクライナ語で歌われています。

また、民謡や儀礼歌を現代のサウンドによって再構築することを活動の中心に据えています。

彼らは、流行を追いかけるポップ路線とは一定の距離を保ち、

「一時的な流行ではなく、記憶に残る音楽を作りたい」

という姿勢を示しています。

「SHUM」は、まさにその理念を最も象徴する作品と言えるでしょう。

まとめ

「SHUM」とは

✅ ウクライナの春迎えの儀礼を現代音楽として再構築した作品

✅ 自然の再生と共同体の結びつきを描いた儀礼歌

✅ 古代の民俗文化とエレクトロニック・ミュージックを融合させた革新的な楽曲

Go_Aの魅力

✅ ウクライナの伝統文化を現代に伝える独創的なサウンド

✅ 民謡とテクノを融合した唯一無二の音楽性

✅ 「記憶として残る音楽」を追求する芸術的な姿勢

「SHUM」は、単なるEurovision参加曲ではありません。

それは、

古代から受け継がれてきた共同体の記憶を、現代の音によって呼び覚ます音楽的儀礼

なのです。

その独創性ゆえに、本作は現代エレクトロ・フォークの代表作として、今後も語り継がれていくことでしょう。

2026年4月23日木曜日

「チェスゲーム～噛み合わないふたり」ダビッド・ビスバル（スペイン）

「Ajedrez（アヘドレス）」

― 愛しているのに、すれ違い続ける二人を描いた大人のラブソング

2023年にリリースされた「Ajedrez（アヘドレス）」は、スペインを代表する歌手David Bisbalが歌う、成熟した恋愛観を描いたラブソングです。

タイトルの「Ajedrez」は、スペイン語で「チェス」を意味します。

この作品では、互いに愛し合っているにもかかわらず、なぜか同じタイミングで歩み寄ることができない二人の関係が、チェスのゲームになぞらえて表現されています。

楽曲「Ajedrez」が生まれた背景

アルバム『Me Siento Vivo』の中核を担う一曲

曲名：Ajedrez
リリース：2023年2月
収録アルバム：『Me Siento Vivo』（2023）
制作：Fernando Boix ほか
レーベル：Universal Music Spain

「Ajedrez」は、David Bisbalが長年歌い続けてきたラテン・ポップやバラードをさらに深化させた作品として位置づけられています。

収録アルバム『Me Siento Vivo（私は生きていると感じる）』全体では、

人生経験
大人の愛情
思い通りにならない感情との向き合い方

といったテーマが描かれています。

その中でも「Ajedrez」は、特に

"愛し合っているのに、タイミングが合わない関係"

に焦点を当てた楽曲です。

なぜ「チェス」なのか

タイトルに選ばれた「チェス」は、本作を象徴する重要なメタファーです。

チェスでは、相手の動きを予測しながら駒を進めます。

しかし、どれほど相手を理解しようとしても、思い通りにゲームが進むとは限りません。

楽曲の中では、このチェスのイメージを通して、

「互いを想い合っているのに、決してかみ合わない恋愛」

が描かれています。

歌詞の要約

愛はあるのに、同じ時間を生きられない二人

「Ajedrez」の主人公たちは、お互いへの想いを失ってはいません。

それにもかかわらず、二人はいつもすれ違ってしまいます。

歌詞では、

話し合っても、結局同じ場所に戻ってしまう
一方が近づくと、もう一方は離れていく
再び会おうとした時には、すでに相手はいなくなっている

という切ない状況が繰り返し描かれます。

象徴的なフレーズのひとつが、

「私が明日戻る頃には、君は昨日去っていた」

という表現です。

ここでは、二人の時間そのものが噛み合っていないことが示されています。

「逆回転する時計」が意味するもの

歌詞には、

「私たちの時計は逆回転している」

という印象的な一節が登場します。

この表現は、二人の運命が常に逆方向へ進んでいることを象徴しています。

愛情は残っているにもかかわらず、時間だけが味方をしてくれない。

そんな残酷な現実が、美しいメロディとともに歌われます。

「呪われたチェスのゲーム」

サビで繰り返される

「Maldito juego de ajedrez（呪われたチェスのゲーム）」

という言葉は、本作の核心とも言えるフレーズです。

これは、

関係を終わらせることもできない
かといって、やり直すこともできない

という、出口の見えない関係への苛立ちと諦めを表しています。

この曲を一言で表すなら

「愛はあるのに、運命と時間だけが味方しない恋」

と言えるでしょう。

David Bisbalとは？

プロフィール

本名：David Bisbal Ferre
生年月日：1979年6月5日
出身地：スペイン・アンダルシア州アルメリア
職業：歌手・俳優
活動開始：2001年～

キャリアの歩み

David Bisbalが広く知られるようになったきっかけは、2001年に放送されたスペインの人気オーディション番組

『Operación Triunfo』

への出演でした。

初代シーズンで準優勝を果たし、一躍スターの仲間入りを果たします。

翌2002年に発表したデビューアルバム

『Corazón Latino』

は大ヒットを記録しました。

その後も、

『Bulería』
『Premonición』
『Sin Mirar Atrás』
『En Tus Planes』

など数多くのヒット作品を発表しています。

国際的な評価

David Bisbalは、ラテン・ポップに

フラメンコ特有の情熱的な感情表現

を融合させたスタイルで知られています。

これまでにラテン・グラミー賞をはじめ、多くの音楽賞を受賞。

スペインだけでなく、中南米やヨーロッパ各国でも高い人気を誇るクロスオーバー・アーティストとして活躍しています。

近年は、若い頃の情熱的なラブソングだけでなく、人生経験を重ねたからこそ歌える、より内省的で成熟した作品も多く発表しています。

まとめ

「Ajedrez」とは

✅ 愛しているのに、決して同じ場所に立てない二人を描いたラブソング

✅ 恋愛を「チェスのゲーム」にたとえた成熟した作品

✅ 感情そのものよりも、タイミングや運命の残酷さをテーマにしている

楽曲の魅力

✅ 大人の恋愛における切なさと現実を描いた歌詞

✅ 美しいメロディと繊細な感情表現

✅ David Bisbalの円熟したボーカルが際立つ一曲

「Ajedrez」は、単なる失恋ソングではありません。

それは、

「愛だけでは乗り越えられない現実もある」

という、大人の恋愛の複雑さを静かに描いた作品なのです。

2026年4月20日月曜日

「美しきテナ～Lijepa Tena」イゴル・ツクロヴ feat.アンドレア（クロアチア）

「Lijepa Tena」

― クロアチアの叙情と精神性を映し出したバルカン・バラード

2009年のEurovision Song Contestにおいて、多くの国が英語によるダンス・ポップやエレクトロサウンドを取り入れるなか、クロアチア代表曲「Lijepa Tena」は、伝統的なバルカン・バラードの美しさを静かに響かせました。

この作品は、恋愛を描きながらも、その奥に「希望」「救済」「信仰」といった精神的なテーマを秘めた、クロアチアらしさあふれる一曲です。

Igor Cukrov と Andrea Šušnjara とは？

Igor Cukrov（イゴール・ツクロフ）

Igor Cukrovは、クロアチア出身の歌手・ミュージシャンです。

音楽教育を受けた本格派のボーカリストとして知られ、以下のような複数の楽器を演奏します。

ピアノ
ギター
クラリネット
トランペット

彼が広く知られるようになったきっかけは、旧ユーゴスラビア地域で放送された音楽オーディション番組

「Operacija Trijumf」

への出演でした。

また、クロアチア沿岸部・ダルマチア地方に伝わる伝統的なア・カペラ合唱文化

「Klapa（クラパ）」

のグループで活動した経験もあり、伝統音楽への深い理解を持つ歌手として高く評価されています。

Andrea Šušnjara（アンドレア・シュシュニャラ）

Andrea Šušnjaraは、クロアチア南部の都市スプリト出身の歌手です。

幼少期から

ピアノ
声楽

を学び、若くしてクロアチアのEurovision代表選考会

「Dora」

に挑戦していました。

Eurovision出場後の2010年には、クロアチアを代表するポップグループ

「Magazin」

のリードボーカルに就任し、国内で高い人気を獲得しました。

「Lijepa Tena」の背景

タイトルの意味

「Lijepa Tena」は、日本語に直訳すると

「美しいテナ」

という意味になります。

"Tena" はクロアチアで実際に使われている女性の名前であり、楽曲の中心人物として登場します。

Eurovision 2009での位置づけ

「Lijepa Tena」は、2009年のEurovision Song Contestでクロアチア代表として出場しました。

作曲を担当したのは、クロアチア・ポップ界を代表する作曲家

Tonči Huljić

作詞は

Vjekoslava Huljić

によるものです。

夫妻は数多くのヒット曲を手がけており、

「クロアチアらしい旋律を、Eurovision向けに洗練する」

ことで知られています。

Eurovisionでの結果

2009年大会は、視聴者投票に加え、審査員制度が復活した最初の大会でもありました。

「Lijepa Tena」の成績は以下の通りです。

準決勝：13位
審査員ワイルドカードにより決勝進出
決勝：18位

このため本作は、

「新たに導入された審査員制度によって救われた代表的な楽曲のひとつ」

としてEurovision史の中で語られることがあります。

歌詞が描く世界

孤独のなかに現れる「テナ」

歌詞では、孤独や喪失感、人生の暗闇の中にいる語り手が、

"Tena"

という女性との出会いによって救われていきます。

しかし、Tenaは単なる恋人として描かれているわけではありません。

Tenaが象徴するもの

楽曲の中でTenaは、

光
癒やし
慈しみ
奇跡

と結びつけて表現されています。

そのため、多くのリスナーはTenaを、

「恋人であると同時に、希望や救済を象徴する存在」

として解釈しています。

キリスト教的なイメージ

歌詞には、

涙を癒やす
心を安らげる
奇跡をもたらす

といった宗教的なイメージを想起させる表現が数多く登場します。

クロアチアはカトリック文化の影響が強い国であり、本作にもその精神性が色濃く反映されています。

そのため、「Lijepa Tena」は単なるラブソングではなく、

信仰や希望を重ね合わせた精神的なバラード

として聴くこともできるでしょう。

クロアチア音楽文化との関係

2000年代のEurovisionでは、

英語中心のダンス・ポップ
エレクトロ・ポップ

が主流になりつつありました。

そのなかで「Lijepa Tena」は、むしろ

ダルマチア地方特有の叙情性
バルカン音楽の哀愁
カトリック文化に根差した精神性

を前面に押し出した作品でした。

その意味で本作は、

「2000年代のEurovisionにおいて、最も素直にクロアチアらしさを表現した代表曲のひとつ」

と評価することができます。

まとめ

「Lijepa Tena」とは

✅ 恋愛と救済、そして希望を重ね合わせて描いたバラード

✅ バルカン特有の哀愁とクロアチアの精神文化を反映した作品

✅ 伝統的なバルカン・バラードの魅力を現代に伝える一曲

楽曲の魅力

✅ Igor Cukrovによる誠実で叙情的な歌唱

✅ Andrea Šušnjaraの透明感あふれるボーカル

✅ Tonči Huljićによるダルマチア的な美しい旋律

「Lijepa Tena」は、愛する人への想いを歌いながら、その奥にある希望や信仰、そして人を導く存在への感謝を描いた作品です。

だからこそ本作は、2009年のEurovisionにおける**「バルカン的精神性」を象徴する代表作のひとつ**として、今も多くのファンに愛され続けています。

2026年4月16日木曜日

「夢見るシャンソン人形は、もう黙らない」ローラ・トーン（ルクセンブルグ）

「La Poupée Monte Le Son」― 60年の時を超えた“人形”たちの対話

2025年のEurovision Song Contestでルクセンブルグ代表として披露された「La Poupée Monte Le Son」。

この楽曲は、1965年にFrance Gallが歌い、ルクセンブルグに優勝をもたらした名曲「Poupée de cire, poupée de son（夢見るシャンソン人形）」への明確なオマージュとして制作されました。

しかし本作は、単なる懐古作品ではありません。

同じ「人形」というモチーフを用いながら、60年前とはまったく異なる価値観を提示する、現代的なメッセージソングとなっています。

楽曲の背景

ルクセンブルグ代表としての位置づけ

アーティスト：Laura Thorn
大会：Eurovision Song Contest 2025
代表国：ルクセンブルグ
選出：Luxembourg Song Contest 2025 優勝
結果：決勝22位（47ポイント）

「La Poupée Monte Le Son」は、ルクセンブルグが誇るEurovisionの歴史を意識して制作された作品です。

作曲を手がけたJulien Salvia、作詞を担当したLudovic-Alexandre Vidal、そしてLaura Thorn本人は、本作について、

「France Gallへの敬意を込めた現代的アップデート」

であると説明しています。

つまり、同じ「人形」というテーマを用いながらも、1965年とは異なる時代精神を表現することが本作の大きな目的だったのです。

歌詞が描くメッセージ

「黙る人形」から「声を上げる人形」へ

「La Poupée Monte Le Son」は、

"飾られるだけの存在"であることを拒み、自らの声を取り戻す女性

を描いた作品です。

歌詞の中で語り手は、

完璧な笑顔を見せるだけの「人形」でいることを拒否する
誰かに操られる存在ではないと宣言する
自ら決断し、自ら人生を切り開く意思を示す

といった強いメッセージを発信します。

タイトルの

「La Poupée Monte Le Son（人形が音量を上げる）」

というフレーズは、沈黙を破り、自分の意思を表明する象徴として用いられています。

楽曲の終盤では、

「新しい世代の声を響かせる存在」

としての人形が描かれ、古い価値観との決別が強く示されます。

そのため本作は、

自己決定と自己表現を讃える現代的なアンセム

として位置づけることができるでしょう。

「夢見るシャンソン人形」との比較

同じ“人形”でも、描かれる姿は大きく異なる

観点	France Gall（1965）	Laura Thorn（2025）
原題	Poupée de cire, poupée de son	La Poupée Monte Le Son
人形の立場	操られる存在	自ら行動する主体
語りの視点	「人形である自分」を自覚する	人形自身が反抗し、主張する
時代背景	1960年代のポップ産業へのメタ視点	自己決定・自己表現を重視する時代
Eurovision史	1965年優勝曲	60年後の応答的作品

決定的な違いとは？

1965年の「夢見るシャンソン人形」では、人形は「歌わされる存在」として描かれていました。

そこには、無垢さと皮肉が同時に存在しています。

一方、「La Poupée Monte Le Son」の人形は、完全に主体性を持っています。

彼女は、

「私はもう操られない」

「自分の声で語る」

と宣言するのです。

象徴的に表現するなら、

1965年

人形は、自分が操られていることに気づき始めた。

2025年

人形は、自ら行動し、声を上げ始めた。

と言えるでしょう。

60年越しの“アンサーソング”

「La Poupée Monte Le Son」は、単なるオマージュ作品ではありません。

それは、

ルクセンブルグのEurovision史そのものと対話する、60年越しのアンサーソング

なのです。

同じ「人形」というモチーフを使いながら、

沈黙から発声へ
従属から主体へ
受動から自己決定へ

という価値観の転換を描き出しています。

まとめ

「La Poupée Monte Le Son」とは

✅ 1965年の「夢見るシャンソン人形」への明確なオマージュ作品

✅ 「黙る人形」から「声を上げる人形」への変化を描いた楽曲

✅ 自己決定と自己表現をテーマにした現代的アンセム

Eurovision史における意義

✅ ルクセンブルグの輝かしい歴史を現代的に再解釈した作品

✅ 60年前の優勝曲に応答する意欲的なエントリー

✅ 過去への敬意と現代の価値観を融合させた象徴的な作品

「La Poupée Monte Le Son」は、かつて「歌わされていた人形」が、ついに自らの声を手にした瞬間を描いた作品です。

それは同時に、60年にわたる社会の変化を映し出す、Eurovisionならではの物語でもあるのです。

2026年4月13日月曜日

「怖いほど、君を愛してる～Running Scared 」エル＆ニッキー（アゼルバイジャン）

「Running Scared」

― 愛するからこそ怖い。Ell & Nikkiが歌った繊細なラブバラード

2011年のEurovision Song Contestで優勝を果たした「Running Scared」は、アゼルバイジャンに初の優勝をもたらした記念すべき楽曲です。

歌うのは、特別に結成されたデュオ、Ell & Nikki。

この作品は、壮大なメッセージや派手な演出ではなく、「愛することへの不安」という誰もが共感できる感情を丁寧に描いたロマンティックなバラードとして、多くの視聴者の心をつかみました。

Ell & Nikkiとは？

Eurovisionから誕生した特別なデュオ

Ell & Nikkiは、2011年のEurovision Song Contestのために結成されたアゼルバイジャンのデュオです。

メンバーは、

Eldar Gasimov（Ell）
Nigar Jamal（Nikki）

の2人。

それ以前にデュオとして活動した経歴はなく、国内選考を通じて結成された特別なユニットでした。

Eldar Gasimov（Ell）プロフィール

生年：1989年
出身地：アゼルバイジャン・バクー
学歴：バクー・スラブ大学国際関係学部卒業

幼い頃から音楽や舞台芸術に親しみ、ピアノも学びました。

また、ドイツへの留学経験があり、アゼルバイジャン語に加え、ロシア語、英語、ドイツ語を話すことで知られています。

Eurovision優勝後には、2012年にバクーで開催されたEurovision Song Contestの司会者の一人も務めました。

Nigar Jamal（Nikki）プロフィール

生年：1980年
出身地：アゼルバイジャン・バクー
学歴：ハザール大学経済・経営学専攻

幼少期から歌とピアノを学び、音楽に親しんで育ちました。

2000年代にはイギリス・ロンドンへ移住し、家庭生活を優先していましたが、2010年に音楽活動を再開。

Eurovision出場時には2児の母としても注目を集めました。

「Running Scared」誕生の背景

楽曲制作

「Running Scared」は、スウェーデンとイギリスの作家陣によって制作されました。

作曲

Stefan Örn
Sandra Bjurman
Iain James Farquharson

作詞

Stefan Örn
Sandra Bjurman

この制作チームは、前年のアゼルバイジャン代表曲「Drip Drop」も手掛けており、Eurovisionファンの間でも高い評価を受けていました。

Eurovision代表選出

EllとNikkiは、アゼルバイジャンの国内選考番組

「Milli Seçim Turu 2011」

に、それぞれソロ歌手として参加しました。

選考の過程で2人の相性が高く評価され、最終的にペアとしてEurovision代表に選出されました。

Eurovision 2011での快挙

大会はドイツ・デュッセルドルフで開催されました。

大会結果

準決勝：2位通過
決勝：優勝（221ポイント）

この優勝により、アゼルバイジャンはEurovision史上初となる優勝を達成しました。

現在に至るまで、これはアゼルバイジャン唯一の優勝記録となっています。

歌詞が描く「愛することへの恐れ」

「Running Scared」は、恋に落ちたときに誰もが感じる不安や戸惑いを描いたラブソングです。

タイトルの「Running Scared（怯えながら走る）」は、愛に飛び込むことへの心理的な恐れを象徴しています。

歌詞では、

愛しているからこそ失うのが怖い
相手を大切に思うほど不安になる
それでも相手のそばにいたい
互いを支え合い、守りたい

という感情が繰り返し歌われます。

ここで描かれる「恐れ」は、弱さではありません。

むしろ、

愛が本物だからこそ生まれる感情

として表現されています。

楽曲の魅力

「Running Scared」の魅力は、派手な演出やドラマティックな展開ではなく、誰もが経験する普遍的な感情を、シンプルかつ誠実に歌い上げている点にあります。

その控えめで親密な世界観は、多様なジャンルの楽曲が競い合った2011年大会の中で、多くの視聴者の共感を呼びました。

まとめ

Ell & Nikkiとは

✅ Eurovisionの国内選考から誕生した特別なデュオ

✅ アゼルバイジャンに初のEurovision優勝をもたらしたアーティスト

✅ 大会後もEurovision史を語るうえで欠かせない存在

「Running Scared」とは

✅ 「愛しているからこそ怖い」という感情を描いたラブバラード

✅ 愛の中にある弱さや不安を優しく表現した作品

✅ シンプルで普遍的なテーマが、多くの人々の共感を集めた2011年優勝曲

「Running Scared」は、恋愛に伴う不安や迷いを否定するのではなく、

「恐れながらも、相手を信じて愛を選ぶ」

というメッセージを静かに伝える、美しいデュエット作品なのです。

2026年4月9日木曜日

「ゴールデン・ボーイ」ナダヴ・ゲッジ（イスラエル）

「Golden Boy」

― 失恋を乗り越え、人生を楽しむためのポップ・アンセム

楽曲について

「Golden Boy」は、2015年のEurovision Song Contestにイスラエル代表として出場した、明るくエネルギッシュなダンス・ポップソングです。

失恋という普遍的なテーマを扱いながらも、悲しみに浸るのではなく、

「前を向いて人生を楽しもう」

という前向きなメッセージを力強く届けています。

失恋を乗り越える若者の物語

物語の主人公は、恋に傷ついたひとりの若者です。

冒頭では、母親に向かって、

「また心を傷つけられた」

と打ち明けます。

しかし主人公は、その痛みに閉じこもるのではなく、

ダンスフロアへ向かう
音楽に身を委ねる
仲間と楽しい時間を過ごす
新しい自分として歩き始める

という選択をします。

失恋を経験しても、人生は続いていく──そんなメッセージが、軽快なビートとともに描かれています。

「Golden Boy」が意味するもの

主人公は、自分自身を

「Golden Boy（輝く存在）」

と表現します。

これは単なる自慢ではありません。

むしろ、

「失敗しても、自分の価値を信じ続ける」

という自己肯定のメッセージを象徴しています。

曲が伝えるテーマ

この楽曲が伝えるのは、

失恋は人生の終わりではない
傷ついても人生を楽しむことができる
前向きに生きる姿勢こそ大切である

という考え方です。

そのため作品全体には、

若さ
自由
希望
自己肯定感

といったエネルギーが満ちあふれています。

テルアビブが象徴するもの

歌詞には、

「Tel Aviv（テルアビブ）」

という地名が登場します。

ここでのテルアビブは、単なる都市名ではなく、

自由な空気
活気あふれるナイトライフ
若者文化
開放的なエネルギー

を象徴する存在として描かれています。

この街のイメージが、楽曲全体の明るく開放的な雰囲気を支えています。

Nadav Guedjとは？

プロフィール

名前：Nadav Guedj
生年：1998年
出生地：フランス・パリ
成長した場所：イスラエル

Eurovision出場時、彼はまだ16歳。大会でも最年少クラスの参加者として大きな注目を集めました。

Eurovision代表となった経緯

Nadav Guedjは、イスラエルの人気オーディション番組

「HaKokhav HaBa（The Next Star）」

で優勝し、そのままEurovision代表に選出されました。

若さあふれるパフォーマンスとスター性が高く評価され、国内で一躍注目の存在となりました。

楽曲制作の背景

作詞・作曲

Doron Medalie

Eurovisionで数多くのヒット曲を手がけてきた名ソングライターです。

プロデュース

Yinon Yahel

イスラエルを代表する音楽プロデューサーとして知られています。

音楽的特徴

「Golden Boy」は、

モダン・ポップ
R&B
ダンスミュージック

をベースにしながら、中東地域特有のリズムや旋律を巧みに取り入れています。

その独自性から、

「Middle Eastern Pop Anthem（中東発のポップ・アンセム）」

とも称されています。

Eurovision 2015での結果

大会成績

準決勝：3位
決勝：9位（97ポイント）

この結果により、イスラエルは5年ぶりに決勝進出を果たしました。

Eurovision史における意義

「Golden Boy」は、イスラエル代表の歴史において重要な転換点となった作品です。

主な特徴

✅ イスラエル代表として初めて全編英語で歌唱された楽曲

✅ 若い世代を前面に押し出した代表曲

✅ 国際市場を意識したモダンなポップサウンド

✅ その後のイスラエル代表曲の方向性に大きな影響を与えた作品

まとめ

「Golden Boy」とは

✅ 失恋をきっかけに、前向きに人生を楽しもうとする若者の物語

✅ 悲しみよりも希望と自己肯定を歌うダンス・ポップ

✅ テルアビブの自由で活気ある文化を象徴的に描いた作品

Eurovisionにおける意義

✅ イスラエルの新時代を切り開いた代表曲

✅ 国際的なポップ路線への転換を示した作品

✅ 2015年大会を代表する、明るく開放的なエントリーのひとつ

「Golden Boy」は、深い悲しみにとらわれるのではなく、

『傷ついても踊り続けよう。人生はまだ続く。』

というメッセージを、エネルギッシュなサウンドに乗せて届けた楽曲として、今なお多くのファンに愛されています。

2026年4月6日月曜日

「不死鳥のように甦れ～Rise Like a Phoenix」コンチータ・ヴルスト（オーストリア）

「Rise Like a Phoenix」

― 不死鳥のように蘇る、希望と再生のアンセム

楽曲について

「Rise Like a Phoenix（ライズ・ライク・ア・フェニックス）」は、2014年のEurovision Song Contestでオーストリア代表として披露され、見事優勝を果たした楽曲です。

オーストリアにとっては、1966年以来48年ぶりとなる2度目の優勝となり、音楽史に残る大きな快挙となりました。

基本情報

歌手：Conchita Wurst
作詞・作曲：
- Joey Patulka
- Alexander Zuckowski
- Julian Maas
- Charlie Mason
ジャンル：オペラティック・ポップ
言語：英語

この楽曲は、もともと別の企画のために制作されたものでした。しかし採用には至らず、その後、オーストリア放送協会がConchita Wurstに歌わせることで楽曲の魅力が最大限に引き出されると判断。Eurovisionの代表曲として選出されました。

歌詞が描く「再生」の物語

タイトルにある「Phoenix（フェニックス）」とは、神話に登場する不死鳥のことです。

歌詞では、

否定される
傷つけられる
屈辱を受ける
すべてを失う

といった苦難を経験しながらも、復讐ではなく「再生」を選び、新たな自分として立ち上がる姿が描かれています。

曲が伝えるメッセージ

この作品の核心にあるのは、

「傷ついた過去に支配されるのではなく、自らの尊厳を取り戻すこと」

という強い意志です。

そのため、この曲は単なる失恋ソングや復讐劇ではなく、人間の再生と自己肯定を歌った力強いアンセムとして高く評価されています。

Eurovision史における歴史的意義

「Rise Like a Phoenix」の優勝は、音楽面だけでなく社会的にも大きな意味を持つ出来事となりました。

Conchita Wurstは、

多様性の尊重
ジェンダー表現の自由
人権と尊厳

を象徴する存在として世界中から注目を集めました。

そのため、この楽曲は単なる優勝曲ではなく、

ヨーロッパにおける包摂性（インクルージョン）の象徴的作品

として語られることが多くあります。

Conchita Wurstとは？

基本プロフィール

本名：Thomas Neuwirth
生年月日：1988年11月6日
出身地：オーストリア・Gmunden
職業：歌手、パフォーマー、ドラァグ・アーティスト

「髭のある女性」という象徴

Conchita Wurstは、Thomas Neuwirthが2011年に生み出したドラァグ・ペルソナです。

最大の特徴は、

「髭のある女性」

という印象的なビジュアルにあります。

これは、

人を見た目だけで判断する社会への問いかけ
多様性を認めることの大切さ
「違い」は恥ではないというメッセージ

を象徴しています。

誕生の背景

Thomas Neuwirthは若い頃、自身の性的指向を理由に差別や偏見を経験しました。

その経験から、

「社会が決める“普通”に縛られない存在を作りたい」

という思いを込めて、Conchita Wurstというキャラクターを誕生させました。

そのためConchitaは、単なる芸名ではなく、社会へのメッセージを体現する象徴的な存在として位置づけられています。

主なキャリア

2006年

オーディション番組「Starmania」で準優勝。

2011年

Conchita Wurstとして本格的な活動を開始。

2014年

Eurovision Song Contest 2014で優勝。

その後

ヨーロッパ議会や国際連合などで講演やパフォーマンスを実施。LGBTQ+コミュニティを代表する文化的アイコンとして活動を続けています。

優勝時に語った、

「We are unity and we are unstoppable.」
（私たちは一つであり、誰にも止めることはできない）

という言葉は、現在でも広く引用されています。

まとめ

「Rise Like a Phoenix」とは

✅ 傷つき、否定された人が尊厳を取り戻し、再生する物語

✅ 不死鳥（フェニックス）を象徴にした力強いメッセージソング

✅ Eurovision史上、最も社会的影響力を持った優勝曲のひとつ

Conchita Wurstとは

✅ 差別や偏見への問題提起から生まれたドラァグ・ペルソナ

✅ 多様性と自己表現の自由を象徴する存在

✅ 音楽だけでなく、人権や包摂性を語る文化的アイコン

日本語タイトルとして意訳するなら、

「不死鳥のように甦れ」

あるいは

「不死鳥のごとく蘇る」

という表現が、この楽曲のテーマを最もよく表していると言えるでしょう。

2026年4月5日日曜日

ショパンコンクールは政治的に支配されているのか？DAVID KHRIKULI – third round (19th Chopin Competition, Warsaw)

とても重要で繊細な視点。

この記事を投稿するわたくし自身も、彼の演奏に釘付けになりましたし、同じように感じている人も多いとも感じました。

以下では、David Khrikuli（ダヴィド・フリクリ）に対して

ワルシャワの聴衆・市民・評論家が実際に抱いていた感情を、

確認できる資料に基づいて整理しつつ、

「このコンクールは政治的に支配されているのではないかと感じている人はいるはずだ」

という視点を、**断定ではなく“なぜそう感じられ得るのか”**という形で慎重に考察します。

1. ワルシャワの聴衆はKhrikuliをどう受け取っていたか

「結果以上に強く記憶された存在」

ワルシャワ現地および国際メディアでは、Khrikuliは**「受賞は逃したが、議論を生んだ演奏家」**として繰り返し言及されています。

英語圏・ポーランドの文化批評では
“did not receive any award, yet his name remains one of the few that transformed the event from a competition into a cultural question”
～彼は何の賞も受賞しなかったが、そのイベントを単なる競技から文化的な問いへと変えた数少ない人物の一人として、彼の名前は今も語り継がれている。～
と評され、順位では測れない存在感があったことが明確に書かれています。 [georgiatoday.ge]
ワルシャワの聴衆について言及した音楽系メディアでは、
**「crowd favourite（観客のお気に入り）」**という表現が用いられ、
実際に大会後、ポーランド国内ツアーやマネジメント契約につながったことも報じられています。 [slippedisc.com]

👉 つまり
「市民・聴衆の評価」と「公式結果」のあいだにズレがあった
という認識は、資料上はっきり確認できます。

2. 第3次予選（third round）をめぐる「違和感」

専門家の間でも「意見が割れた」

Culture.pl の長文記事では、第3次予選をめぐって

“rumoured disagreement”（意見の食い違いが噂された）
“biggest snubs”（見過ごされた演奏があった可能性）

という言葉が使われ、
審査員内部でも評価が一致していなかった可能性が示唆されています。 [culture.pl]

これは、

Khrikuliが「明確な失敗」をしたから評価が下がった
のではなく、
評価軸そのものが割れた
と受け取られていたことを意味します。

3. 「政治的に支配されているのでは」と感じられる理由

※ここは断定ではなく、感じられうる構造の整理です

① ショパン・コンクール自体が「国家的イベント」

ショパン・コンクールはポーランドにおいて
国家的文化事業・ナショナル・アイデンティティの象徴と位置づけられています。 [en.wikipedia.org]
歴史的にも、結果が「国民感情」と強く結びつき、
過去には政治的・社会的論争を何度も引き起こしてきました。 [polanddaily24.com]

このため、
「純粋に音楽だけで決まっているのか？」
という疑念が周期的に生じる構造をもっています。

② 評価システムの性質そのもの

主催者側も公式に
- 採点補正
- 審査員の利害関係回避
- 集計ルール
  を説明していますが、
  同時に

「結果は常に強い賛否を生む」
と認めています。 [pap.pl]

重要なのは、
政治的意図が存在すると証明されたわけではないが、
制度が「政治的に見えてしまう」余地を内包している
という点です。

③ Khrikuliの演奏スタイルが「競争原理」と衝突した可能性

Georgia Today の分析では、Khrikuliの演奏は

内省的
明確な主張より「探求」を重視
テンポや呼吸が外向的でない

とされ、

“within the context of competition, can be misread as lack of clarity”
と書かれています。 [georgiatoday.ge]

これはつまり、

観客には強く届く
順位付けには不利になり得る

という構造的ズレを示しています。

4. ワルシャワ市民の「本音」に近い感情まとめ

資料から慎重に言える範囲で整理すると：

✅ Khrikuliは明確に支持された存在だった
✅ 結果に対して違和感や失望を覚えた人は確実にいた
✅ それが
- 「政治的なのでは？」
- 「審査基準が別の方向を向いているのでは？」
  という感情につながるのは、このコンクールの歴史上、自然な反応
❌ ただし
「政治的に操作された」という事実は確認されていない

結論

「このコンクールは政治的に支配されているのではないかと感じている人はいるはずだ」

この問いは、
誇張でも陰謀論でもなく、ワルシャワという都市とショパン・コンクールの歴史を知る人ほど抱きやすい“感情のリアリティ”
だと言えます。

そしてKhrikuliは、その問いを再び可視化してしまった存在だった――
それが、ワルシャワ市民が彼に感じていた「特別さ」の核心だと考えられます。

2026年4月4日土曜日

「それでも、愛を信じている～Love Is On My Side」ザ・ブラック・マンバ（ポルトガル）

「Love Is On My Side」は、ポルトガルのバンド The Black Mamba が発表したバラードで、人生の苦難の中でも希望を失わずに生きる一人の女性の姿を描いた作品です。

派手な演出や劇的な展開ではなく、静かで力強いメッセージが特徴となっています。

歌詞のテーマ

希望を失わない一人の女性の物語

歌詞は、一人の女性の人生を本人の視点から語る形で進みます。

物語の流れ

16歳で故郷を離れる
愛や自由、夢を信じて新しい世界へ飛び出す
しかし現実は厳しく、夢は崩れていく
孤独や苦しみの中で、薬物依存や性産業に関わる状況へ追い込まれる
それでも人生への希望を捨てない

曲のタイトルでもある

「Love Is On My Side（愛は私の味方）」

という言葉は、幸せが保証されているという意味ではありません。

むしろ、

「どんな状況でも、自分の尊厳と希望を信じ続ける意志」

を表しています。

この曲が伝えるもの

この作品は、

成功物語ではない
奇跡的な救済の物語でもない

という点が特徴です。

描かれているのは、

「苦しい現実の中でも、生きる希望を手放さない人間の強さ」

です。

そのため、聴き手に静かな感動を与える楽曲となっています。

楽曲誕生の背景

実在の女性との出会いが原点

この曲は、The Black Mamba が2019年のツアー中に出会った実在の女性から着想を得ています。

出会いの場所

Red Light District（アムステルダムのレッドライト地区）

メンバーはそこで、東ヨーロッパ出身の女性と交流しました。

彼女は、

希望を抱いて故郷を離れた
厳しい現実に直面した
薬物問題を経験した
性産業で働くようになった

という人生を歩んでいました。

しかし彼女は、

「愛はいつも自分の側にあった」

という考えを持ち続けていたとされています。

この言葉が、楽曲の中心的なテーマになりました。

誰の視点で歌われているのか

作詞・作曲を担当したのは、

Pedro Tatanka Taborda

ですが、歌詞は彼自身の体験談ではありません。

重要なのは、

実在の女性の視点から書かれている

という点です。

そのため作品全体に、

説教的な雰囲気がない
誰かを裁く視点がない
同情だけに終わらない

という特徴があります。

あくまで一人の人間の人生を静かに語る作品として成立しています。

Eurovisionとの関係

この曲は、

Festival da Canção 2021

で優勝し、

Eurovision Song Contest 2021

のポルトガル代表曲となりました。

結果

準決勝：4位
決勝：12位

また、

ポルトガル代表として初めて全編英語詞で歌われたEurovision出場曲

としても注目されました。

音楽的な特徴

ジャンル

ソウル
ブルース
バラード

特徴

派手な盛り上がりを避けた構成
繰り返されるシンプルなコーラス
温かみのあるボーカル
落ち着いた演奏

ボーカルの Pedro Tatanka Taborda は、この曲を

「希望についての歌」

と表現しています。

まとめ

「Love Is On My Side」とは

✅ 苦難の人生を歩んだ女性の視点から描かれた物語

✅ 実在の女性との出会いをもとに生まれた作品

✅ 「愛は自分の味方である」という希望のメッセージを伝える楽曲

✅ ポルトガル代表としては異例の英語詞によるEurovision出場曲

✅ 派手さではなく、静かな強さと人間らしさで心に残る作品

この曲は、人生の厳しさを隠さず描きながらも、「それでも希望を持ち続けることの大切さ」を静かに語りかける一曲です。

2026年4月2日木曜日

「郷愁のゆりかご～LEAGĂNUL DORULUI MEU」ドレドス（モルドバ）

「LEAGĂNUL DORULUI MEU（レアガヌル・ドールルイ・メウ）」は、

「私の郷愁のゆりかご」
「私の想いが育まれた場所」

という意味を持つタイトルです。

故郷への深い愛情や、自分の原点への想いを象徴しています。

歌詞のテーマ

祖国モルドバへの愛を歌った作品

この曲は恋愛をテーマにした楽曲ではなく、

「祖国モルドバへの愛と郷愁」

を描いたバラードです。

歌詞には、

緑豊かな丘陵地帯
澄んだ川の流れ
修道院や教会
心が安らぐ故郷の風景

が登場し、モルドバの自然や文化が美しく表現されています。

しかし、それらは単なる風景描写ではありません。

故郷が象徴するもの

歌詞の中で故郷は、

自分たちが育った場所
心のよりどころ
魂の帰る場所

として描かれています。

楽曲の雰囲気

この曲全体を包む感情は、

穏やかさ
ノスタルジー（郷愁）
感謝
静かな誇り

です。

DoReDoSが Eurovision で披露した明るくコミカルな楽曲とは対照的に、

こちらは内省的で誠実なメッセージ性の強い作品となっています。

制作された背景

Eurovision後の新たな挑戦

この曲は2020年に発表されました。

Eurovision Song Contest 2018で「My Lucky Day」を披露し国際的な注目を集めた後、

DoReDoSはエンターテインメント性の高い活動だけでなく、

「自分たちのルーツを見つめ直す作品」

を作りたいと考えるようになりました。

制作のきっかけ

メンバーはインタビューの中で、

モルドバの自然に大きなインスピレーションを受けた
故郷には絵画や詩、音楽を生み出すほどの美しさがある
日常の中にある風景の価値を改めて伝えたかった

と語っています。

この楽曲は、故郷への感謝を音楽として残したいという想いから生まれました。

音楽的な特徴

作曲

Sergiu Mîța
Eugeniu Andrianov

作詞

Andrei Porubin

サウンドの特徴

バラード調の穏やかな構成
モルドバ・ルーマニア地域の伝統音楽を感じさせる旋律
ナイ（パンフルート）を取り入れた民族色豊かなアレンジ

これらによって、地域文化への敬意と誇りが音楽的にも表現されています。

ミュージックビデオの見どころ

公式ミュージックビデオには、

モルドバの田園風景
豊かな自然
伝統的な村々
歴史ある宗教建築

が数多く登場します。

ここで主役となっているのはメンバー自身ではなく、

「モルドバという土地そのもの」

です。

映像は、楽曲が故郷への賛歌であることを視覚的に伝える役割を果たしています。

まとめ

「LEAGĂNUL DORULUI MEU」とは

✅ 恋愛ソングではなく、祖国モルドバへの静かなラブレター

✅ 自然・風景・文化・記憶への感謝を歌った作品

✅ Eurovisionで見せた華やかでユーモラスな姿とは異なる一面を表現

✅ DoReDoSのルーツやアイデンティティが色濃く反映された代表的なバラード

この曲は、故郷への誇りと愛情を静かに語りかける、DoReDoSの最も誠実で文化的な作品の一つといえるでしょう。

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